Quello che colpisce, aldilà della vera e propria "bravura" dell'artefice ed oltre il fantastico stralunamento dei corpi, che egli dipinge, è l'assenza di malignità, è una grande pietà che le tele ci testimoniano e di cui esse per prime soffrono, senza il compiacimento che queste tematiche di distorsione spesso svelano un "animus" più o meno conscio, dell'autore. L'Arte non deve prefiggersi di stupire o atterrire o vestire il cappuccio del torturatore o del vendicatore: il fine dell'Arte non è più la "meraviglia", ma piuttosto essa deve e può usare ogni mezzo espressivo, ogni fantasia, ogni tecnica ed ogni espediente purchè servano a rompere i confini dell'inespresso e le carceri dell'anima. Mi pare che l'artista abbia segnato un momento importante di me, dando sbocco a tanto commosso stupore. Mi pare che Giancarlo Altamura possa essere pago di sè e di quello che fà.

Max Vajro

Quasi una favola...un viaggio nella memoria. Quella della prima adolescenza, quando ho varcato, incerto e curioso, la soglia della Mediterranea. Uno spazio fra i più prestigiosi, che vantava una scuderia di pittori (come diceva il Dott. A. Ammendola) di grande talento e notorietà.

Ebbi modo, così, nello svolgere le mie prime incombenze, di conoscere Notte, Brancaccio, Striccoli, Bresciani, Montefusco. Ma anche critici e studiosi del livello di Paolo Ricci. Respirando a pieni polmoni quell'aria di cultura ed arte, che avrebbe poi segnato profondamente la mia vita, negli anni della maturità. Una sorta di bacillo, una forma di contagio che fatalmente diventava per me una straordinaria lezione. La Mediterranea nei sette anni della mia permanenza è stata così una scuola di vita e pittura.

Ritornare tra queste pareti, ormai con i capelli grigi, per presentare i momenti più significativi della mia ricerca, mi riempie di orgoglio ed emozione. E questo non perchè il ragazzo di bottega è diventato pittore, ma perchè il pittore per qualche giorno è diventato ragazzo.

Luigi Grossi

Ho incontrato Michele Auletta quando ricercava con una pittura decisamente sfrenata qualche figura a cui estirpare ombre, luoghi di infinite e possibili mutazioni, nucleo fatto irraggiungibile dalle cose visibili. Lo ritrovo scultore di singolare capacità espressiva in grado di arrivare alla rappresentazione di una figura ingabbiata in una pseudo-forma: la orrenda resa di un corpo dal quale sono stati rimossi respiro, cuore, parola. La persona generata da un modello di personalità privo di idee e di ideali, ritorna all'idea del canone classico di rappresentazione del corpo invertendone i termini teorici. Inversione che, producendo il resto di quel canone, restituisce, dopo una drammatica resa dei conti, una personale visione d'artista del corpo così come è generato dai mass media. Una visione dove la geometria, dimensione arcaica di perfezione e armonia, è stata recuperata servendo a simboleggiare la gabbia di scadente perfezione a cui il corpo è asservito. Il risultato, a osservare il lavoro di Auletta, è l'innegabile equilibrio formale di fronte al quale ci si trova. Un equilibrio che, considerato l'oggetto che lo compone, suscita un certo disorientamento. I corpi ritagliati da Auletta suscitano cioè un senso di inquietudine, e se è questo il risultato di un'operazione che elabora proprio l'assenza di qualunque inquietudine, allora lo sforzo fatto risulta convincente. Non a caso, del resto, al ricercato realismo di queste opere si accompagna la scelta della caratterizzazione dei corpi in senso ermafrodita. Cosa che, unita alle altre evidenze, risolve il lavoro di Michele Auletta in una (matura) "ideologia" basata sulla volontà di rappresentare a suo modo il risultato della spinta al consumo a cui si è frequentemente sottoposti. Colorati di rosa, azzurro, rossi, i suoi corpi simboleggiano anche così la vanità che li muove nello spazio vorace del consumo. Raramente s'intravedono delle teste, spesso ingabbiate in scatole geometriche, veri e propri monitor, piccoli schermi da cui detrarre impeti. Una sfida che riguarda l'argomento "equilibrio" nella personalità disordinatamente autentica dell'artista. Un disordine o forse, meglio, un malessere esistenziale che ha trovato come dispiegarsi nella lontana filosofia di Sartre, del quale Auletta si serve per condurre il suo uomo verso la questione, in sé colma di inesorabilità, del libero arbitrio. Una questione che, aldilà delle stesse mode filosofiche, non perde mai di stare in primo piano, dal momento che l'uomo è condannato a ogni istante a creare se stesso e che le modalità e i risultati di queste immaginazioni sono propriamente ciò che l'artista prova a rappresentare.

Irene Manco

Disinvolte: così mi appaiono le opere che si snodano sulle pareti della galleria Mediterranea in occasione di questa mostra. Mi ritrovo in un stato di puro diletto davanti a lavori che non hanno bisogno di parole, ma che, invece, parlano un linguaggio semplice, diretto, scevro da intellettualismi; opere che, però, nello stesso tempo, si presentano ricche di sapienza gestuale, compositiva, come elementi finali di un tormentato mestiere. Le osservo come un padre vede i suoi figli, così come mi è stato trasmesso da artisti e critici che per lungo tempo hanno popolato la galleria di mio padre, e che qui si sono intrattenuti in lunghe e appassionate discussioni. Un'eredità certamente importante per chi ha avuto l'onore di amare l'arte nella sua essenza, disdegnando l'effimero. I segni di questi artisti mi sono chiari: ogni loro singola pennellata mi appare confidenzialmente intellegibile. La mia storia – che è la storia della mia famiglia e di questa galleria – mi induce ad essere restio alla cessione di questi tanto eloquenti "oggetti" perché essi sono l'anima stessa di questo spazio espositivo e, dunque, sono parte della mia anima. Ogni volta che attraverso le sale, mi soffermo su un'opera, la osservo, l'accarezzo, ho bisogno di quel senso tattile della materia, mi compiaccio di quelle stesure quasi fossero mie: "mie" perché mi parlano del tormento, della felicità, dunque degli stati d'animo di chi ha speso - efficacemente - la propria esistenza nell'arte. Non vedo più figure, né paesaggi o nature morte, ma vedo più nettamente l'autobiografia dell'essere artista. Accanto ai nomi noti, sfilano le nuove leve che, non avvezze alla moda, ma piuttosto intrise di cultura artistica, non vivono di auto-celebrazione, ma godono di quella consistenza che io amo. A voi tutti, che avete scelto di dedicare il vostro tempo all'arte, auguro di continuare ad ascoltare, cogliere, sentire, ancora e per sempre, la poesia della pittura e della fotografia.

Saverio Ammendola