Mediterranea Mostre

Attraverso una pittura surreale dove la realtà immaginata appare immobile e sospesa, l’artista Fabio Testa racconta il “Viaggio ai margini della città”, titolo esplicativo della mostra che si inaugura il 10 marzo alle ore 18,00 presso La Maditerranea Arte, in via Carlo de Cesare 60 a Napoli. I dipinti in mostra sono scorci quotidiani realizzati in olio su tela, che analizzano la realtà da differenti punti di osservazione, fino a rivelare la tangibile esperienza dello spazio e il comune modo di appartenergli. Così le opere raccontano con segni e colori, come è possibile vivere in modo etereo e senza soluzione una continuità e contiguità spazio-temporale, legata al passato, e al futuro, sebbene i diversi momenti siano vicini quanto lontani. Gli ambienti urbani colorati catturano l’attenzione del visitatore spesso troppo distratto, per soffermarsi sul dettaglio. Nei lavori si rendono visibili fenomeni oggettivi che in condizioni normali sfuggono alla percezione. L’uomo è il vero protagonista delle opere, celato dietro ciò che quotidianamente lo circonda. Lo spazio raffigurato comunica solitudine con le strade e le periferie industriali ridotte all’essenziale. La contemporaneità ci permette di vedere in controluce il destino oscuro della città. Con la pittura il giovane artista napoletano mette a confronto l’architettura di alcune periferie di città per approfondire la sua ricerca sulla natura e lo sviluppo dell’identità. Una vera e propria indagine sulle metropoli che si assomigliano un po’ ovunque, e dove paesaggi urbani si riconoscono nel destino delle proprie sedimentazioni, divenute nel tempo accumuli e stratificazioni. Luoghi simili dove il passato e il presente, ma anche il futuro sembrano coincidere, ma dove in fondo le stesse storie cambiano continuamente, non sono mai uguali, piuttosto il risultato del fluire della vita. “L’immagine di una città- racconta Testa– è intrappolata da due forze, tra la figura inevitabile dell’identità e la solida realtà di un volume che è metafora tangibile dell’avanzare minaccioso e compatto di un universo ostile come immagine definita che divora la nostra stessa presenza”. L’artista si sofferma su strutture di utilità sociale, con particolare attenzione alle tecniche costruttive tradizionali e alla tematica della sostenibilità ambientale. Ecco dunque, che con la sottrazione dei segni, intende mettere in discussione sia l’illusione del volume, eliminando il superfluo visivo, sia la materializzazione della stessa identità, che sottopone minacciosa l’individuo, come un vero e proprio sedimento della demarcazione psichica e sensibile, opprimendo lo spazio vitale.

da venerdì 4 dicembre 2009 REGALATI UN'OPERA D'ARTE
La rassegna di dipinti in esposizione alla "Mediterranea" comprende un grande numero di opere che vanno dall'Ottocento all'arte contemporanea. E' una proposta rivolta al collezionista che voglia integrare le opere in proprio possesso con nuove firme di qualità. Siamo certi che la mostra accontenterà anche i più esigenti. Saverio Ammendola


Nicola Biondi: "Figura", olio su tela cm. 22x35	G. Villani: "Bagni a Posillipo" olio su cartone cm 25x25,5

ELIO WASCHIMPS - PATRICK LEMKE Due pittori, due generazioni, due culture che s'incontrano

E. Waschimps: "IL GIOCO", cm 50 x 50 - olio su tela	P. Lemke: "TRACER", cm 60 x 60 - olio e lacca su tela
L’amicizia e l’amore per la pittura che lega Saverio Ammendola e Andreas Ryll ha permesso lo scambio di artisti di due grandi centri culturali: Berlino e Napoli. Dunque, per la prima volta in Italia, saranno presentate, in una ‘doppia personale’, l’ultima produzione di Patrick Lemke, artista canadese trapiantato a Berlino, con le opere del grande maestro napoletano, Elio Waschimps. Elio Waschimps (nato nel 1932 a Napoli dove risiede tuttora) è tra le proposte più impegnative e tra le più suscettibili di sviluppi per uscire da un punto morto a cui avevano condotto anche gli indirizzi validi dell’astratto così detto ‘informale’. Ma Waschimps ha alle sue spalle uno degli esperimenti più interessanti che si compissero a suo tempo per aprire le deità tematiche e contenutistiche dei ‘neo-realisti’ ad una veduta pittorica libera ed ispirata, né ne perdette mai la radice anche quando si risolse a travolgere quella veduta in un modo angosciosamente visionario, sempre più sospinto verso l’’informale’ puro dell’’abstract exspressionism’; la proposta avanzata con le opere qui esposte non poteva essere, sostanzialmente, che un ritorno alla ‘cosa’, nel convincimento che – come altri in altra occasione ha scritto – «non è possibile dipingere il significato delle cose senza dipingere le cose stesse, poichè tra la cosa e il significato non c’è contraddizione ma continuità». Pure, nel momento che attraversiamo, sarebbe davvero vano sperare di ricondursi così vicino all’integrità consistente dell’oggetto, o, per intendersi meglio, al momento di certezza della realtà, da poter attendersi che essa venga rappresentata con una fermezza obbiettiva pari a quella incrollabile degli antichi. Nelle circostanze storiche presenti e nella società da cui siamo condizionati, la cosa non può che rimanere una aspirazione. Garcia Lorca scrisse che «le cose son più vive dentro, che non là fuori, esposte all’aria e alla morte», perciò la loro immagine oggi non può essere ancora recuperata se non come un barbaglìo allucinante, una impronta fuggita. Waschimps, così, compie tutti gli sforzi possibili per rimpastare di dentro alle materie grondanti della miglior cultura pittorica contemporanea i più persuasivi brandelli di verità ma poi i suoi tavoli e i suoi bucrani, trascorrendo lampeggianti sui fondi indeterminati che fingono l’infinito, “esposti all’aria e alla morte”, lungi dal ricomporsi veramente, si scompaginano vieppiù e nella loro balenante apparizione prendono l’aspetto del magma non ancora consolidato, anzi che sfiamma e si erge. Sono momenti in fieri di un oscuro animismo, figure misteriose di un impulso vivente, che pervade e al tempo stesso dilania. Il tono più originale delle opere qui presentate discende da questo ed è questo che le colloca nel punto cruciale delle ricerche in corso, come un contributo da valutare in prima istanza. Ma non si sarebbe detto ancora molto se non si avvertisse che, d’altro canto, ciò è tutt’altro che il risultato di un programma mentale, coadiuvato e riflesso da una sorta di meccanica concettualizzata dai mezzi impiegati. L’intenso accento poetico nasce di getto, nel gesto, da un intuito estremamente pronto, che prevale anche sulla apparente ripetizione di un tema prescelto, com’è qui quello di un grumo di materie galleggianti su di una superficie indefinita. Sgorga anzi, a fiotti, da una sorgente pittorica pressochè inesauribile, che trova d’istinto la giustezza del tono e la profondità del timbro e articola il quadro di una armonia cromatica vibrante. Giacchè, a mio giudizio, tutto potrà essere revocato in dubbio, all’infuori del fatto che Elio Waschimps è realmente ciò che si dice un ‘pittore’. Patrick Lemke (nato nel 1972 a Montreal, Canada) inizia la sua carriera come pittore all'Accademia delle Belli Arti con il Prof. Fritz Weigle. Il suo approccio all’attività artistica parte dal fotorealismo in bianco e nero. Dopo essersi trasferito a Düsseldorf, comincia a studiare nella classe del Prof. Markus Luepertz all'Accademia delle Belli Arti. Il giovane artista comincia con una pittura astratta e cromaticamente molto colorata per poi approdare ad una pittura fondata su elementi realistici. Oggi, a 37 anni, ha trovato il suo stile nato dalla sintesi di entrambi questi suoi percorsi pittorici. I lavori di Lemke sono fondati su un’estetica che permette un sorprendente entusiasmo del grande pubblico. Le sue opere sono nello stesso tempo belle ed enigmatiche - quasi si trattasse di un ‘puzzle’ - formati da una permanente relazione tra storia e arte: questi modelli di comportamento trovano riferimento nell´arte di Durer o Lorrain. Come questi grandi artisti del passato, anch’egli lavora sui concetti di personalità e di spazio-tempo che lui esprime in paesaggi allegorici, intimisti e surreali. Patrick Lemke ha coltivato una tecnica complessa ed estremamente impegnativa che conduce l’artista a dedicare diversi mesi per alcuni dei suoi lavori. La tecnica è lunga e complicata. L’artista prepara la tela spruzzando vari tipi di vernice poi, dall'altezza di una scala, sparge gocce di trementina sui quadri: in questo modo i pigmenti cominciano a dissolversi di nuovo formando gocce di colori con bordi pronunciati. Per creare delle gocce più grandi, l'artista deve arrampicarsi su una scala più alta - quasi cinque metri. In questo modo arriva a creare dei «veri paesaggi». Lemke introduce linee o aree, pretesti spaziali per l’inserimento delle figurine: questi piccoli ragazzi in vestiti casual o giovani uomini in soprabiti servono come punti di riferimento per dimensione ed orientamento nei quadri. Simili a quelle di C.D. Friedrich, le figure di Lemke sono spesso poste in un secondo piano che coinvolge lo spettatore più intensamente e gli permette di identificarsi. Le figure sembrano riflettere su se stesse e sulle loro possibilità di stare al mondo; stando in piedi sull'apertura di uno spazio, sembrano preoccuparsi dei nostri pensieri. Così i mobili e gli accessori appaiono come luoghi in uno spazio verde «all´interno della malinconia». Dimostrano come noi esprimiamo il concetto della nostra personalità attraverso la scelta dei nostri oggetti dentro la struttura di un concetto di spazio. L'interesse affettuoso di Lemke per la sua generazione diventa evidente nella maggior parte dei suoi lavori. L’artista gioca con temi prescelti che rendono il suo lavoro apparentemente vasto in modo surreale.

	mercoledì 23 settembre 2009, alle ore 18:00 sarà inaugurata la mostra NOVECENTO

	Luigi Crisconio, casolare, olio su tavola - cm 30 x 40
	saranno in esposizione opere dei seguenti artisti: G. Brancaccio, A. Bresciani, L. Crisconio, C. Catelli, A. Chiancone, E. Cajati, R. Capaldo, N. De Corsi, P. La Motta, R. Lippi, E. Notte, C. Striccoli, F. Testa, C. Verdecchia, A. Viglione, G. Villani, M. Vittorio, E. Waschimps